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Manga è una parola composta dai kanji 漫画, che significano “disegno senza uno scopo”, “immagini derisorie”.

È impossibile stabilirne l’origine certa, alcuni studiosi fanno risalire le origini dei manga agli emakimono, o emaki, (rotoli di pergamena con storie illustrate), tra questi sono da citare l’Eingakyo, scritto da un autore ignoto e narrante la vita del Buddha, e soprattutto i Chōjū-giga (Rotoli degli animali) attribuiti all’abate Toba Sōjō. Questi ultimi riproducevano storie irriverenti in cui nobili, preti e guerrieri venivano ritratti con sembianze animalesche in pose assurde a scopo derisorio. Quali che fossero le immagini rappresentate, questi rotoli avevano tre caratteristiche che oggi consideriamo intrinseche del medium fumetto: la vignetta, i filatteri (spazi adibiti all’inserimento del testo, antenati dei balloon) e le linee cinetiche. A partire da XIV secolo i monaci appartenenti alla corrente del buddhismo zen svilupparono l’arte dello zen-ga, che miscelava disegno e calligrafia.

Nel XVII secolo, il Giappone venne unificato dal primo degli shogun, Tokugawa Ieyasu, e la pace che ne conseguì permise lo sviluppo delle grandi città come Edo (l’odierna Tokyo) e di varie sottoculture urbane.
In questo periodo nacquero il teatro Kabuki e i libri illustrati ad ampia tiratura. Il teatro ispirò gli autori di manga con le sue pose esagerate, la sua drammaticità, i libri illustrati li ispirarono con il tratto caricaturale e le scene semplici per far fronte agli elevati costi di stampa che avrebbero richiesto delle illustrazioni più elaborate.

Nel 1853, il commodoro statunitense Matthew Perry si stabilì con le sue Navi Nere nella baia di Tokyo, costringendo il paese ad aprirsi all’Occidente. Le pubblicazioni di ispirazione occidentale fecero da apripista negli ultimi anni del XIX secolo e fecero conoscere ai giapponesi le comic strips, le strisce a fumetti pubblicate come appendici sui quotidiani, che di fatto risultano essere il primo incontro tra il Giappone e il fumetto propriamente detto. Nel XX secolo il manga entrò pienamente a far parte della cultura giapponese.
Nacquero le prime associazioni di mangaka, come la Società giapponese dei manga (soprattutto a carattere satirico) e parallelamente, si sviluppò l’idea del manga come intrattenimento per bambini.

Oggi i manga, ossia i fumetti prodotti in Giappone, sono una delle forme di intrattenimento più popolari, soprattutto tra i più giovani. Un fenomeno di cultura pop che ha visto una graduale e inesorabile espansione globale negli ultimi quarant’anni, riuscendo ad abbattere barriere sociali e politiche poste dagli stessi giapponesi a difesa della loro identità nazionale e dell’apparenza nei confronti delle altre nazioni.

Kawaii (かわいい o 可愛い) è un aggettivo della lingua giapponese che può essere tradotto in italiano come “grazioso”, “adorabile”, “carino”. Dagli anni ‘80 il termine indica anche una serie di personaggi manga, anime, videogiochi o altro, disegnati con forme tonde, tratti bambineschi e colori pastello. Il disegno kawaii è tutto ciò che è innocente, dolce, che ti fa sentire calmo e di buon umore.

Pare che la cultura giapponese del Kawaii sia molto antica, viene fatta risalire addirittura al 1000 d.C., anno in cui la poetessa Sei Shonagon scriveva che «in verità, tutte le cose piccole sono belle».

Per noi occidentali questo stile nasce con i personaggi di Hello Kitty e Doraemon, cartoons allegri e giocosi, molto famosi e amati anche qui in Italia.

Negli ultimi anni in Giappone è sempre più in crescita la diffusione delle Yuru-Kyara (o Yuru-Chara), abbreviazione di Yurui Masukotto Kyarakutā, ossia quei personaggi teneri, morbidi e “pelosi”, vestiti da mascotte. Un fenomeno che ha interessato l’intera popolazione e cultura nipponica, tant’è che è rinomato in tutto il mondo il loro amore per queste ultime, equamente diffuso sia tra i bambini che tra gli adulti. Questi simpatici personaggi kawaii che sembrano provenire dai cartoni animati vengono associati idealmente a qualsiasi cosa: esistono infatti mascotte per le scuole, enti pubblici come ospedali, aziende, eventi, hotel e ogni prefettura ha la propria.

Il disegno kawaii si caratterizza per le forme morbide, arrotondate, un triangolo o un rettangolo con gli angoli arrotondati e una faccina composta da due puntini e una linea come bocca possono già diventare disegni carini. Le regole per disegnare cose carine: semplificare, ridurre tutti i dettagli, colori chiari (tinte pastello), la rotondità aiuta ad addolcire i disegni, disegnare una faccina (anche una caffettiera può diventare carina con una faccina). Il disegno kawaii ti fa esclamare: “Awww che carino!”

La linoleografia utilizza come matrice una lastra di linoleum trattato per la stampa. Questa tecnica ha da secoli utilizzato il legno come matrice ma, dati gli elevati costi e la difficoltà nell’intagliare legni duri, nelle scuole si utilizza il linoleum. Questa tecnica quindi non è un sostituto della xilografia ma possiamo considerarla la sua moderna evoluzione.

Xilografia o silografia (dal greco xilos, legno) in Europa si impone nel XV secolo. Questa tecnica consiste nella scalpellatura di forme su legno con appositi strumenti come sgorbie e bulini per ricavare una superficie liscia a rilievo che, inchiostrata, riporti in modo speculare l’immagine (o i testi) ottenuti. Nata in Cina e poi diffusasi in tutto l’Occidente, in Europa ha molti esponenti nel Rinascimento come Tiziano o Dürer. Nel tempo la tecnica cede il passo alla calcografia ma ha la sua rinascita artistica nell’Ottocento grazie a G.P. Doré e ad alcuni artisti del movimento espressionista.

La stampa xilografica arriva in Giappone dalla Cina insieme alla tecnica di fabbricazione della carta, entrambe portate dai monaci Buddhisti nell’VIII sec. Dapprima questa tecnica è stata utilizzata per testi e scopi religiosi; solo molto dopo, verso il XVII secolo comincia ad essere utilizzata per scopi laici per poi passare a libri di singole stampe.

Le prime stampe sono monocrome, realizzate con l’inchiostro per la calligrafia, prodotte come illustrazioni per i libri. Hanno una forte linea di contorno, forme astratte, nessuna profondità o volume. Nel 1700 gli editori (soprattutto dei centri editoriali di Tokyo, Kyōto e Osaka) iniziano a proporre alla nascente borghesia singole stampe, da principio in bianco e nero, in seguito colorate a mano. Questa tecnica è conosciuta come urushi-e (stampa laccata con ritocchi fatti con inchiostro lucido nero per far risaltare alcuni dettagli). Stampe a colori cominciano ad essere prodotte, in tiratura limitata, intorno al 1730, come edizioni private e lussuose. Suzuchi Haronubo (1725-1770) è il primo arista a lavorare a stampe interamente a colori. In Giappone le stampe sono chiamate ukiyo-e, letteralemente “immagini dal mondo fluttuante”, che fa riferimento al concetto buddhista della transitorietà della vita. Nonostante all’inizio del XIV secolo l’ukiyo-e cominciò a decadere, in questi anni lavorano due tra i più grandi artisti di questa arte: Hokusai e Hiroshige. La tradizione xilografia inizia a declinare irreversibilmente intorno al periodo Meiji dal 1866 dato che i contatti con l’Occidente porta nuove tecniche di stampa. L’interesse rinasce intorno al XX secolo dove gli artisti vedono la stampa come momento creativo e non solo come metodo di riproduzione.

In questo corso si utilizzerà una specie di colla nori e i colori ad acquerello in tubetto (come in uso in Giappone).

La calcografia, o incisione a incavo, nasce nella metà del XV secolo. Si ottiene incidendo delle lastre metalliche di rame o zinco con un bulino (o strumento aguzzo detto puntasecca) e, mediante la forte pressione di un torchio, si trasferisce il disegno inchiostrato su carta. La stampa sarà invertita rispetto alla matrice.

La puntasecca si differenzia dalla tecnica ad acquaforte per la mancanza del passaggio in acido nitrico (detto appunto acquaforte) che corrode le parti non protette. In questo modo il segno può risultare irregolare, più o meno profondo e più o meno largo perché dipende dalla forza esercitata per incidere la lastra.

Durante l’operazione vengono sollevati dalla matrice dei filamenti di metallo detti barbe.
Questi filamenti o sbavature, al contrario di quanto avviene nella tecnica a bulino, non vengono tolte, ma rimangono ai bordi del segno e conferiscono un tratto molto particolare e più “morbido”.

Possiamo quasi dire che l’incisione “a secco” è iniziata con l’essere umano: con i disegni sulle pareti delle grotte esistono anche le incisioni su pietra, su ceramica, su osso. Queste incisioni non sono incisioni per stampa, questi sono solo esempi per dire che l’incisione è antica come l’essere umano. Per tutte le stampe su metallo bisogna prestare particolare attenzione a proteggere la lastra per tutto il processo di lavorazione e anche oltre: ogni piccolo graffietto anche quelli più impercettibili saranno visibili sulla stampa.

La pressione esercitata in fase di stampa, però, le distrugge rapidamente e di conseguenza, man mano che si procede con la stampa, l’aspetto di queste viene alterato.
Questa tecnica, può quindi essere usata solo per tirature di stampa limitate.

Durante il corso saranno spiegati tutti i passaggi per realizzare la propria stampa: tratteggio, scelta del soggetto, la preparazione della lastra, come inciderla, fino all’uso del torchio. Dopo un’introduzione sui vari aspetti tecnici ogni allievo realizzerà, sotto la guida della docente, una stampa 10×15.

Come mostro intendiamo un essere vivente reale o immaginario a cui sono attribuite una o più caratteristiche straordinarie dalle quali si discosta dall’ “ordinario”.

La parola stessa (dal latino monstrum, da monere) significa “portento”, “prodigio”, e può assumere sfumature ambivalenti. Se inteso in senso positivo, o perlomeno ambiguo, il mostro è accostabile ai mirabilia, e ai cosiddetti “fenomeni da baraccone”; se inteso invece in senso negativo, si carica – secondo il contesto – di una valenza fisica o morale.

Di solito i mostri possono essere classificati in tre tipologie: abnormità e deformità (gigante o minuscolo, Ciclopi o Cerbero), ibrido (differenti specie umana, vegetale o animale fuse insieme come i Centauri, l’Arpia, Sirene, Sfinge e Lupi Mannari), sovrannaturale (di solito mostri immortali o invulnerabili come la Gorgone, la Sfinge, che fa parte anche dell’ibrido, il Basilisco, la Fenice, Pegaso, il Drago o la Mandragola, anche questa facente parte anche dell’ibrido).

A volte i mostri sono un unicum, generati come punizione divina o esperimento umano, basti pensare al Minotauro, a Scilla e Cariddi, a Medusa (secondo alcuni miti), alla creatura di Frankenstein, homunculus, il Golem.